Exposiciones anteriores en Galería Metta

Qué hacen y quiénes hacen

Alfonso Berridi

Fue expuesta desde el 25 de noviembre de 2010 hasta 28 de enero de 2011.
Obra de la exposición Qué hacen y quiénes hacen

¿Qué hacen y quiénes hacen? es el título de la exposición que Alfonso Berridi ha realizado para la Galería Metta, trabajo que reúne una serie de piezas de diversa naturaleza y formato: dos grupos de esculturas, de cartón y plomo respectivamente, y una serie de dibujos sobre cartón gris.

Los personajes definidos en las siluetas de plomo y cartón son el denominador común de unas piezas cuya colocación, siempre distante respecto al espectador, contribuye a crear espacios de incertidumbre y murmullo, actividad y silencio. En el magnetismo de su enigmática laboriosidad queda formulada la pregunta que da título a la exposición.

Alfonso Berridi ha trabajado la pintura, la escultura, el grabado y la ilustración a lo largo de su dilatada trayectoria. Su actividad expositiva abarca exposiciones individuales y colectivas tanto en galerías nacionales como extranjeras, entre otras: Galería Ederti de Bilbao, Egam de Madrid, A+A Galería en Madrid y Venecia, Galería Obalne de Eslovenia, Galería Dieciséis y Galería Kur de San Sebastián….etc.

Entre la ferias y simposiums artísticos en los que ha exhibido su obra destacan Arco Art Forum Berlín, Simposium Internacional de Escultura del Mediterráneo de Labin, Croacia, Simposium Internacional “Forma Viva” de Kostanjevica, Eslovenia, y Simposium de escultura dedicado a Pablo Neruda en Isla Negra, Chile.

Así mismo su obra se encuentra y ha sido expuesta en instituciones públicas como el Instituto Jovellanos de Gijón, la Universidad de Ciencias Sociales de Mendoza, Argentina, el Pabellón Mixto de la Ciudadela de Pamplona, Museo de San Telmo de San Sebastián, Sala Recalde de Bilbao, Centro Museo Artium de Vitoria, Museo Bonnat de Bayonne, Museo de Guetary en Guetary, Francia, Fundación Luis Seoane de A Coruña y Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Sus trabajos de ilustración aparecen periódicamente en las secciones de opinión de los diarios ABC y Diario Vasco.

Estancia en el Desierto

Eduard Resbier

Fue expuesta desde el 16 de septiembre de 2010 hasta 14 de noviembre de 2010.
Obra de la exposición Estancia en el Desierto

… Los polos se derriten, la oscuridad nos amenaza, el mundo se acaba. Lo bueno es que, por ejemplo, Eduard Resbier sigue pintando.

El artista goza y padece el mundo en el que vive, hace fotos y vídeos, compone música, escribe y pinta serenamente, aunque piense con rabia. Pinta cuadros misteriosos utilizando con maestría lo que ha aprendido de los demás y de sí mismo. Vive pintando porque vivir no es suficiente y la única forma de entender algo de la vida es pintarla. Relacionados por la misma ambición de dominio expresivo del espacio, de la atmósfera que los impregna, de la luz que los define, sus cuadros y dibujos son desde entonces excelentes obras de arte.

Para la exposición que presenta en Metta ha pintado dibujos. Utilizando tinta y papel, ha pintado imágenes similares a las de sus cuadros. Manejando una técnica de proceso más rápido que el de sus óleos, ha conseguido profundidad y transparencia con espontaneidad y ligereza, aunque con la misma capacidad de atracción.

En estos dibujos, Eduard Resbier consigue que no se vean de inmediato, que no se reconozcan sino hasta haber pasado un tiempo mirándolos en toda su superficie. Son dibujos que contienen tiempo.

Eduardo Momeñe

Eduardo Momeñe

Fue expuesta desde el 10 de junio de 2010 hasta 11 de septiembre de 2010.
Obra de la exposición Eduardo Momeñe

Eduardo es un fotógrafo de largo recorrido, comenzó en los años 80 a fotografiar todos los personajes españoles o extanjeros que se movían por Madrid. En la actualidad, publica y expone sus trabajos a nivel nacional e internacional.

Se plantea la exposición como un proyecto tanto visual como conceptual en cuanto supone un ensayo la figura, el retrato, la escenificación, el tiempo en la fotografía, y la capacidad de la fotografía para plantear cuestiones a partir de una realidad dada. La exposición se pretende como una propuesta en si misma, como una serie de imágenes que remiten unas a otras.

Entrevista en Diario ABC

REVISTA CLAVES DE ARTE

Country paintings

Thomas Jocher

Fue expuesta desde el 22 de abril de 2010 hasta 31 de mayo de 2010.
Obra de la exposición Country paintings

Una serie de paisajes donde el espacio es el objeto, siendo los lugares reales pero imposibles. Al igual que en anteriores ocasiones, los lienzos carecen de interés alguno en ser reflejos fidedignos de lo representado; se convierten en recreaciones oníricas de lugares pensados, con una potentísima carga evocadora al tiempo que parecen cuestionar el concepto impuesto de belleza, señalando que el gusto no sabe de cánones sino de intenciones. A la manera de postales para adultos.

Big Show

Elizabeth Aro

Fue expuesta desde el 12 de noviembre de 2009 hasta 31 de diciembre de 2009.
Obra de la exposición Big Show

Elizabeth Aro nacida en Buenos Aires, trabajó y vivió en Madrid desde los 90 hasta el 2005. Su última muestra personal en España fue en el "Espacio Uno" del Reina Sofía.

Domina el espacio la instalación "Santa Sangre" que inspirada en el film de Jodorowsky se nutre de un color en clave barroca y una riqueza de materiales de afinada delicadeza. Un entrelazar de telas que se agolpan para entrar en el espacio y se deslizan por una iconografia que recuerda un río de sangre.

La muestra continua con esculturas de formato medio, hechas con telas (brocados y terciopelos) siempre con toques neobarrocos y nos orienta en un recorrido donde encontramos huellas de una dimensión cotidiana.

Igualmente brillantes son los dibujos que presenta donde ha trabajado con una máquina de coser sometiendo al papel a miles de vueltas de hilo llenando el folio de poesía cargada de simbolismo.

Esta muestra nos brinda la oportunidad de ver una amplia muestra de trabajos de Elizabeth Aro tanto en sus series que desarrollan los conceptos de interior y exterior , del aislamiento del que que nos rodeamos mentalmente, y sus cuidados trabajos con los diversos materiales textiles, fotográficos, y espaciales.

A las cosas hay que mirarlas

Luis Cruz Hernández

Fue expuesta desde el 17 de septiembre de 2009 hasta 31 de octubre de 2009.
Obra de la exposición A las cosas hay que mirarlas

Las cosas hay que mirarlas para saber que bajo su apariencia tranquila fluyen a veces aguas conflictivas. (Ahí está ese paisaje de turbulencias románticas) Esas citas en forma de ventanas que aparecen en los cuadros con personajes robados y que aparentemente responden sólo a la voluntad del artista, a un “porque sí” serían el goce de un psicoanalista. Desde el punto de vista pictórico rompen la superficie del lienzo, introducen un elemento de distorsión, aportan un punto de vista distinto a la ‘historia’ y obligan al que mira a no acomodarse. Al ofrecer un contrapunto en la composición implican un esfuerzo suplementario en la contemplación. (Es el precio que pide por su propio no acomodarse). Con todo, aquí están sus primeras marinas, bodegones y paisajes.

Aquí están sus papeles de inspiración oriental tanto en el continente como en el contenido… Expuestos por fin a la mirada y unidos por un denominador común casi constante: la presencia de elementos vegetales, que parecen dispuestos a convertirse en una seña de identidad de su madurez creativa. Como si, a fuerza de mirar, hubiera descubierto los contornos de las hojas, los contornos de las cosas.

Su obra invita, no sólo a la contemplación, sino a esperar lo próximo. Angélica Tanarro.Extracto del texto del catálogo de la exposición

El libro de los cambios

Miguel Copón

Fue expuesta desde el 4 de junio de 2009 hasta 31 de julio de 2009.
Obra de la exposición El libro de los cambios

"...para conseguir espacio..."

Aprovechar hasta el final estas superficies de forma minuciosa a lo largo y ancho. Pretextuales en su configuración y automatismo. Yo he caminado por un pasillo angosto prieto mi cuerpo y mi brazo rozando un fragmento de muro, tan áspero, hasta aflorar la sangre. Más allá de lo que dejan ver por entre sus riscos y resquicios deposita tus ojos sobre ellas y disponlos suavemente, prestos para ser lacerados. Entre la casi inaprensible distancia que separa la punta de las pestañas y el borde de los párpados, final de esta situación. Razón primera, la textura visual como sujeto, frente a la naturaleza como pretexto.

La segunda razón, elegir un camino o más. El recorrido no importa si más o menos tortuoso, en relación a lo accidentado del mismo o bien si por la dificultad de orientación, puede producirse pérdida o encuentro del destino. Tampoco eso importa, pues entre la pártida y la llegada la única aventura posible es el naufragio. No obstante dos opciones al menos. Si eliges la espesura selvática, disponte para acceder por entre la fisura blanca, tan vertical. Girar tu cuerpo 90 grados hacia la izquierda o derecha, secundario esto, para muy lentamente alcanzar el infinito casi...

Otra opción. Desplazarse, ascender; el cuerpo lapado hasta escocer la piel -o más- la carne incluso. Gran angular primero. Después de un tiempo rocas ariscas a tu izquierda y un cielo tan profundo de una negritud que detiene. Riesgos y decisión, para abordar tal ingravidez. Terco ante esta posible obstrucción hay que continuar hasta alcanzar la naturaleza que, no estando en sí misma, es sólo pretexto, a veces para raspar el ojo y otras para perder la orientación.

Una vez, errante, he encontrado un regazo abovedado de piedras ariscas. Los bordes de la entrada cubiertos con la piel de mi cuerpo.

Nacho Criado.

Rituales de paso

Juan José Gómez Molina

Fue expuesta desde el 16 de abril de 2009 hasta 30 de mayo de 2009.
Obra de la exposición Rituales de paso

Antes que un homenaje, la exposición del recientemente desparecido Juan José Gomez Molina, artista plástico, catedrático de Bellas Artes, escritor e investigador en la disciplina de dibujo, en donde ha publicado más de diez volúmenes en Editorial Cátedra, en un trabajo pionero, es una muestra de la vitalidad que sus propuestas siguen teniendo. Bien conocido en su faceta de fotógrafo, el trabajo en la pintura y el dibujo, en la tarea de laboratorio plástico, inseparable de la faceta teórica que Juan José reivindicó desde todos sus poliédricas facetas, aparece como el argumento central de la presente muestra en la Galería Metta.

Vindicación del valor carnal de la pintura, de su valor como proyecto de visión, de su capacidad de ensoñación de límites y de autoconocimiento y constitución de identidad, los trabajos pictóricos de Juan José, además de un dominio virtuoso de la técnica, muestran una preocupación pionera e intempestiva sobre motivos románticos, cercanos a las poéticas de Novalis o Friedrich, en donde las nubes, entendidas como metáforas de lejanía, ensoñación, distancia, nostalgia, exprimidas en su capacidad de evocación poética, son el motivo central, el abecedario de construcción de una obra que ahora podemos reconocer como capital para explicar el desarrollo de la plástica de los últimos años.

Miguel Ángel Sánchez Ramos.

Contra el viento. 1987-2008

Alfredo García Revuelta

Fue expuesta desde el 1 de febrero de 2009 hasta 31 de marzo de 2009.
Obra de la exposición Contra el viento. 1987-2008

El sonido del encuentro (o desencuentro) de dos cuerpos, la onomatopeya de un choque, siempre es un rumor, un eco demasiado ambiguo aún incluso para llamarse sonido, por lo que normalmente se considera que su inarticulación e irregularidad corresponde a la de un ruido. Las cosas, los paisajes, los cuerpos, no nos envían una señal clara a la vista, sino la imagen de un rumor a interpretar, un golpe en el ojo, antes que una suave forma en espera de ser descifrada.

En la obra de Alfredo, la dinámica de los contrastes, el montaje de las imágenes, los choques temáticos, se encuentra dentro de una disfunción onírica, una poética de la imagen como ensueño. Para encontrar referentes sobre el montaje lógico de dos imágenes que por aproximación producen un efecto de rumor, debemos mirar a los sueños sin filtrar, trabajo complejo, que quizá nos debiera llevar a pensar por qué prestamos tan escasa atención a las imágenes que ocupan un tercio de nuestras vidas. Un perro andaluz sería un referente para que habláramos de una lógica de conexiones onírica similar, sin aún normalizar por el “estilo” surrealista. Imagen que se abre, pero imagen que se conecta libre, donde el sentido de la posibilidad deja franca casi de forma molesta y violenta la siguiente conexión causal.

La obra de Alfredo posee muchos pliegues para saborear. Violencia y melancolía, si elegimos esta función del sueño y el asombro. Lo causal no es lo casual, pero lo casual no existe, sino que en la poética del artista, es una forma que busca su sentido, oscuro, oculto, perdido, nunca quimérico. La ironía y lo cómico aparecen siempre que la imaginación y el asombro nos han colocado en el vértice de lo que no podemos entender.

Para Bergson, la risa surge de esa inadecuación patentizada y es un sentimiento provocador, en espera de contagio. La risa, como la imagen, es una conmoción, es decir, quiere que el espectador se mueva por la misma fuerza misteriosa que obligó al autor a una exteriorización de sentido en la imagen. Esa imagen tendrá éxito cuando contagie su intención, cuando escuchemos compartido su rumor. En palabras de Bergson “Hay estados de alma que conmueven apenas se dan a conocer; hay alegrías y tristezas con las cuales se simpatiza; pasiones y vicios que provocan el asom­bro, el horror o la piedad; sentimientos, en fin, que se prolongan de alma en alma por resonancias sen­timentales. Todo esto afecta a lo esencial de la vida, todo esto es serio, y a veces hasta trágico.“ La fuerza súbita de lo que nos asombra está diametralmente enfrentada a las imágenes que conservan y producen un sonido causal, discursos de desarrollo esperable, aburridos y predecibles como un teorema, un discurso político, una comunicación de intenciones, una lectura de un acuerdo de junta vecinal o una orden o edicto judicial. Por supuesto, nada de pasión en ellas; les ha sido extraída a la vez que la capacidad de asombrarnos o divertirnos.

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